Kleine momenten belangrijk maken – een miniflix-interview met Andy Motz

Met twee solide korte films op zijn naam lijkt de in Los Angeles gevestigde korte filmmaker Andy Motz op weg te zijn naar een veelbelovende en authentieke carrière. Beide films die vandaag worden besproken, Whiter Shade of Pale en Among Sorrows and Songs, zijn uiterst persoonlijk voor hem, beide sterk beïnvloed door het verhaal van zijn grootouders (we bespreken dit ook hieronder) ).

Naast de productie van deze twee films, heeft Motz een liefde voor en kennis van filmesthetiek en -geschiedenis die elk aspect van zijn leven doordringt (hij heeft een M.A. in Film Studies van Chapman University). Andy bespreekt de verschillende vormen die een script kan aannemen, frustraties (en onthullingen) in de montagekamer, en advies dat hij heeft voor korte filmmakers die net de filmschool hebben afgerond.

Miniflix-interviewer: wanneer wist je voor het eerst dat film je gekozen medium zou worden om jezelf creatief uit te drukken?

Andy Motz: ik wist het zeker in de tweede klas, toen ik naar Vertigo keek. Ik denk niet dat ik begreep wat er echt aan de hand was … maar ik hield van de kleuren en de manier waarop de beelden me lieten voelen, en het einde dat me gewoon schokte. Na Vertigo in de tweede klas, besloot ik dat ik dat wilde doen: films maken.

Miniflix: verhoudt u zich nu op een andere manier tot de kunstvorm dan toen u er voor het eerst verliefd op werd? Hoe heeft uw ontwikkeling als persoon uw relatie met het maken van films en uw ideale overtuigingen over het medium beïnvloed?

Andy: Het is zo veel veranderd …. Ik denk dat voor veel jonge mensen iets als Hitchcock, iets klassiekers en spannender, fungeert als een toegangspoort tot film. Maar toen begon ik meer naar de randen te gaan, in de Europese cinema. En ik ben daar grotendeels gebleven. Vroeger was ik in de meer extreme dingen, maar nu ben ik meer in dingen die de filmtaal pushen en probeer ik een breed perspectief van ervaring te geven. Dus als ik jonger was, zou het negatiever en pessimistischer zijn, zoals Lars von Trier, Hitchcock en Kubrick. Naarmate ik ouder ben, hou ik meer van filmmakers als Terrence Malick, Claire Denis, Wong Kar-wai … filmmakers die een bredere kijk op de mensheid hebben, in het negatieve en in het positieve. Wat betreft mijn eigen filmmaken, zoals Ik ben ouder geworden, ik ben zeker weggegaan van genrestukken en naar meer drama’s. Het verandert voor altijd. Ik wil ook verhalen vertellen die zo breed zijn: het leven is moeilijk, maar het is ook mooi. Beide momenten vinden, die paradox verder verkennen.

M: Hoewel het voor filmstudenten vrij standaard is om korte films te maken tijdens hun filmopleiding, doen de meeste schrijvers en regisseurs er alles aan om een ​​speelfilm gefinancierd en gemaakt te krijgen. Waarom heb je ervoor gekozen om korte films te blijven maken in plaats van speelfilms? Is het voornamelijk geweest om redenen van budget en logistiek, of geeft u de voorkeur aan de korte vorm?

A: uiteindelijk zou ik een artikel willen maken. Het is iets waar ik echt naar toe werk, maar korte broeken zijn zo’n geweldige manier om je visie naar buiten te brengen. Ze zijn ook een geweldige oefening. De visuele vertelling wordt versterkt in korte film. Je hebt maar 10, 20 minuten om het hele concept echt te begrijpen … Ik zou graag binnenkort een filmpje doen, maar hopelijk nog twee korte films voor die tijd. Dat is hoe mijn brein momenteel werkt wat betreft ideeën.

M: A Whiter Shade of Pale is gebaseerd op waargebeurde gebeurtenissen. Kun je in het kort het echte verhaal uitleggen dat deze film inspireerde?

A: Mijn opa was een homoseksuele man in de kast in de jaren tachtig, en uiteindelijk kreeg hij hiv. Voordat hij wist dat hij het had, gaf hij het uiteindelijk aan mijn oma. En hoe ze dat ontdekten, was dat ze eigenlijk eerst positief werd getest … wat vervolgens onthulde dat hij degene was die het haar het eerst had gegeven en dat hij een dubbelleven had geleid.

M: Heeft u ooit A Whiter Shade of Pale ooit gehad in de jaren 80 in plaats van de hedendaagse setting waarin u zich uiteindelijk vestigde?

A: Ja, dat deed ik. Om eerlijk te zijn, het was budget. Alsof ik het geld niet had … ik had gewoon niemand anders het goed zien doen. Ik kwam op een plek waar ik dacht: “Wat moet ik doen?” Ik besloot het te veranderen in hedendaagse tijden.

M: De soundtrack (gecomponeerd door Matthew Haggarty) komt nogal licht over, soms zelfs volks. Ik had een meer opgewekte, zelfserieuze regeling verwacht. Iets conventioneler geschikt voor een huiselijk drama met deze hoge emotionele inzet. Wat waren de gesprekken tussen jou en de componist over de functie van muziek hier? Hoe zag je uiteindelijk dat de muziek functioneerde binnen het grotere wandtapijt?

A: Muziek was altijd moeilijk voor me, omdat het een geweldig hulpmiddel is in films, maar het wordt vaak zo te veel gebruikt, vooral in drama’s. Dat is niet iets wat ik hiervoor wilde. Dit is eigenlijk een ander ding over korte films. Echt dramatische muziek kan schokkend zijn, vooral omdat je niet lang in die wereld bent. Dus ik vond deze componist [Matthew Haggerty] en vertelde hem dat ik geen piano of viool wilde. Ik was er zelfs van overtuigd dat ik helemaal geen muziek wilde. Er zit eigenlijk alleen muziek in de montages. Ik wilde gewoon dat de rest van de film stil was. Hij had zoiets van: “Wat als ik een ukelele speelde? … En hij kwam terug met deze werkelijk prachtige score.” De ukelele-solo past bij de innerlijke werelden van de personages en versterkt deze op een meer natuurlijke manier.

M: De scène waarin hij zijn vrouw vertelt dat hij haar hiv heeft gegeven, is opzettelijk onhandig. Geen muziek, geen gemakkelijke bezuinigingen die het drama kunstmatig zouden hebben versterkt of het een meer opgevoerd ritme zouden hebben gegeven. Je laat deze acteurs echt gewoon spelen, dingen doen die nogal “niet-filmisch” zijn. Hoeveel iteraties van deze scène waren er in je hoofd? Heb je het ooit anders zien verlopen?

A: niet echt. De films die mij destijds specifiek beïnvloedden, waren van Ingmar Bergman en Steve McQueen. Beide filmmakers, in scènes van echte menselijke conflicten, draaien de camera niet weg. Ze houden er echt van om zich te concentreren op de acteurs en in hun verdriet. Ik wilde dat ook heel graag doen. Dus voor mij was het belangrijk om ze in hun verdriet te zien, ze in hun pijn te zien. Ik denk dat je zonder het dramatische knippen ook kaders kunt maken die veel zeggen. Het was iets waar zowel ik als de DP [Nathan Ingalls] behoorlijk op in waren. Het was onze visie, en het hielp ook de acteurs. We hebben gewoon lange takes gedaan, dus we konden de hele scène doornemen zonder te knippen. Ik denk dat dat belangrijk was voor hun prestaties.

M: Er zijn veel beeldflitsen in twee van de grootste montages van de film. In sommige gevallen keer je terug naar dezelfde shots (shots van dode bomen, de bruidstaart die wordt weggevreten, het shot van het paar in een lege bank). De bewegingen en opnameselecties voelen hier erg impressionistisch aan, kleinere delen die een emotioneel geheel vormen. Hoe bepaal je uiteindelijk welke afbeeldingen de dominante afbeeldingen in een montage worden? Waren er veel andere beeldideeën die je hebt gemaakt maar die op de vloer van de uitsnijruimte zijn achtergelaten?

A: Alle afbeeldingen die we in de montage hebben gemaakt, zaten in het script. Maar de redacteur [Michael Asmus], hij was echt geweldig. Hij las het script, begreep wat ik probeerde te doen, gooide het uit het raam en bewerkte de twee montages en beelden die we hadden opnieuw. En ik dacht dat het gewoon ongelooflijk was. Op een gegeven moment waren we op een plek gekomen waar ik vond dat het niet echt werkte … maar toen deed hij de montage helemaal opnieuw. Dus we schoten alles wat we bedoeld hadden, maar dankzij hem konden we in de postproductie de dingen door elkaar schudden. In de eerste montage zien we bijvoorbeeld oorspronkelijk de minnaar van John niet. Maar Michael besefte dat er een thema moest zijn om tussen twee werelden in te gaan. Dus de vrouw van John en zijn geliefde moesten deel uitmaken van de hele film. Dat soort dingen.

M: Kun je heel snel spreken over de ervaring die zich heeft gevormd in Among Sorrows And Songs ?

A: Deze film was een soort van A Whiter Shade of Pale aangrenzend. Een andere vertakking van mijn grootvader was dat ik vrijwilligerswerk ging doen bij een aantal verschillende HIV-non-profitorganisaties in Los Angeles. Het was een manier om iets terug te geven. En ik heb zoveel mensen ontmoet en zoveel verhalen gehoord. Het was in die tijd dat ik me realiseerde dat niemand het over hiv had in de huidige samenleving, terwijl het niet langer een doodvonnis is. De meeste media gaan over hiv in de jaren tachtig, wat superbelangrijk is. Maar niemand vroeg zich af hoe het in 2014 was om een ​​persoon met een laag inkomen en hiv in de stad te zijn. Maar ik ontmoette net al deze mensen met boeiende verhalen. Ze worstelden er misschien niet mee als een doodvonnis, maar ze worstelden met verschillende dingen.

M: Er is een groot visueel contrast tussen zijn tijd tijdens het rijden en het moment waarop hij de medicatie daadwerkelijk afzet. Was dit opzettelijk of alleen een functie van fotograferen in een auto versus fotograferen op stabielere locaties?

A: Iets wat me soms stoort aan korte films, is het gelijkstellen van intense, realistische emoties aan opnamen uit de hand. Alsof je heel dicht bij iemand opstaat en ze de camera beslaan met hun adem. Ik wilde dat idee een beetje testen. Ik wilde dat terugdringen, daarom staat de scène met personages op stokjes. Het belangrijkste deel van de foto’s van hem tijdens het rijden is sensorische overbelasting. Het gevoel, tijdens het rijden, dat je altijd in beweging bent en toch nooit beweegt. Je gaat altijd ergens heen, maar het voelt altijd lang en uitgesponnen aan.

M: Wat was in de fase van het schrijven van scripts de specifieke bedoeling achter de structuur van de film? In het bijzonder, hoe heb je besloten welke van de vele verschillende verhalen die je in het echt had gehoord om uit te kiezen voor deze korte film?

A: Het originele script bevatte talloze flashbacks. Ik had oorspronkelijk willen proberen het hoofdpersonage, Mark’s verhaal, en ook de verhalen van iedereen te vertellen. Maar mijn vriend, die ook schrijver is, herinnerde me eraan dat het een korte film was. Als ik wilde dat het effectief was, moest ik de film in deze omgeving houden, in Marks huidige wereld. Dus uiteindelijk heb ik alle flashbacks eruit gehaald en in het heden bewaard. Voor mij was de structuur het introduceren van waar de film over ging zonder hardhandig te zijn, dus een personage dat over hiv sprak, liet ons al vroeg weten wat Mark aan het doen was. Toen was het belangrijk voor mij om iemand met dakloosheid te laten zien, dus dat was het volgende. En dan aan het eind een beetje over Mark praten, naar iemand gaan die hij kan vertrouwen… dat was de algemene structuur. Zo laten we ook stigma, armoede en dan de bijwerkingen van medicatie zien. Dat zijn de dingen waarmee ik mensen zag worstelen, en dat waren dus de drie dingen die ik in de film wilde hebben.

M: in beide korte films houd je ervan om veel licht in foto’s te hebben. Zelfs als een film “donker” is of zich op een donkere plaats afspeelt, of op een plaats zonder natuurlijk licht, vind je een manier om te voorkomen dat hij er modderig of “korrelig” uitziet. Waarom ben je esthetisch naar deze plek gekomen?

A: Het was beslist een keuze, maar het is niet alsof ik op de set zei: “fuck the gritty stuff.” In A Whiter Shade of Pale ging het idee van de film helemaal om belichting, dus we wilden dat alles superhelder zou zijn. En voor Among Sorrows and Songs hadden de DP [Giselle Gonzalez] en ik het over de kleuren in een stad die altijd een beetje door de zon verbrandt. Dus dat betekende vuilere blanken, meer uitgefaseerde beiges. Beide films pasten gewoon heel thematisch bij wat we dachten over het kleurenschema.

M: Wat is de reactie op Among Sorrows and Songs , en hoe heeft deze film naar zoveel festivals gebracht?

A: Het is echt positief geweest. Zoveel mensen die het hebben gezien, zijn er dankbaar voor. Ze hebben het gevoel dat het gaat over wat veel mensen niet bespreken als het om hiv gaat. Ik heb ook gemerkt dat het mensen echt verbindt met hun eigen ervaringen.

M: Welk advies heb je voor de aspirant-korte filmmaker op de filmschool die misschien alleen korte films wil maken, ondanks dat de filmwereld zegt: “nee, je moet speelfilms maken, dit is het enige dat relevant is of het enige waar mensen voor betalen ”?

A: Allereerst zou ik tegen korte filmmakers willen zeggen dat ze ervoor moeten zorgen dat hun verhalen over de kleine momenten in het leven gaan. Dit zijn altijd de meest effectieve korte films in mijn gedachten. Een deel van het voordeel van het maken van korte films is dat je die kleine momenten kunt ontdekken. Ook het vinden van de juiste baan is super belangrijk. Een van de moeilijkste dingen voor mij was, en is nog steeds, het leren combineren van een dagtaak met het maken van een korte film na de universiteit. Iedereen is anders … maar zal een 9-5 effectiever zijn, of misschien als ober gaan? Of misschien wil je een creatieve baan? Zorg ervoor dat die baan uw creativiteit niet afschrikt.

M: Wat denk je (als schrijver / regisseur) dat je effectiever of puur in een korte film kunt bereiken dan in een speelfilm?

A: Korte films zijn geweldig in het vastleggen van kleine gebaren en kleine momenten. Korte films laten zien hoe belangrijk die dingen zijn. Ik denk dat de beste korte films degene zijn die dat doen. De slechtste korte films zijn de films die te groot proberen te zijn en te veel beslaan. Als je je kunt concentreren op een moment of een gebaar, kunnen korte films echt laten zien hoe die kleine dingen ertoe doen.

M: Wat is een korte film waar je van houdt?

Meshes of the Afternoon . Het is een feministische experimentele klassieker voor korte films.