Demostración de la joven y brillante imperfección

Revisión de la Philharmonie De Paris 2018-19: El progreso del libertino

Orchestre Ludwig
Coro – Cappella Amsterdam
Barbara Hannigan – directora musical, conductora de Sophie Asplund – Anne Trulove
Gyula Rab – Tom Rakewell
Douglas Williams – Nick Shadow
Erik Rosenius – Padre Trulove
Marta Swiderska – Baba el Turco
James Way – Sellem

20 de mayo de 2019
Esta revisión apareció originalmente en Operawire.com el 27 de mayo de 2019.

“Yo me esfuerzo por sacar lo mejor de mí, pero también sé que la perfección no existe. Y para ser honesto: no me importa. Ni en mí ni en los demás. En mi opinión, el perfeccionismo es un impulso malsano y apretado. Porque no puedes forzar la perfección. Compárelo con estar acostado en el agua. Quien se relaja, quien se atreve a entregarse, se mantiene a flote. El que pelea se ahoga “.

Leí esta cita en la página oficial de Facebook de Barbara Hannigan, dos días después de “The Rake’s Progress” en París. Estaba junto a un gran escritorio en una cafetería en Vilnius y me reí amargamente.

“Qué terrible excusa”, pensé.

Tiempo para el estrés

Todos vivimos en tiempos de incertidumbre y estrés, y la industria de la ópera no es el lugar adecuado para quienes buscan un puerto tranquilo. La competencia es enorme y el talento definitivamente no es suficiente. La peor parte es que, en realidad, nadie sabe qué es suficiente. Y algunos cantantes en realidad se pasan la vida tratando de encontrar esa respuesta, pero olvidan una pregunta más importante en el proceso: ¿Suficiente para qué?

Solo puedo hablar por mí mismo, pero veo el objetivo como un desarrollo consistente y natural de la voz con una cierta comprensión de cómo usarla en un momento dado. Y el único camino es el trabajo constante. Y este trabajo es duro, pero nunca supe de ningún talento que se haya pagado sin esfuerzo.

Barbara Hannigan fundó Equilibrium para orientar a jóvenes profesionales, utilizando su propia experiencia, “para cultivar la conciencia y la habilidad hacia el disfrute óptimo y la generosidad en la colaboración musical” y “para abordar la preparación, la resistencia, la concentración y la recuperación de errores”. Entonces, se concentraron en el desarrollo personal integral de los cantantes. Y esto me parece un gran enfoque.

Así que, al asistir a la actuación de los artistas de Equilibrium, estaba a punto de comprobar lo que podría aportar este enfoque.

El progreso de The Rake

The Rake’s Progress es increíblemente complejo. Es difícil de conseguir, difícil de entender y difícil de amar a primera vista. Te engañará. Te hará pensar que lo tienes solo para que te des cuenta de que no tienes ni idea.

No hay nada extremadamente complicado en la trama. Tom, un chico bueno pero pobre, abandona a su amante por los placeres de Londres en compañía del diablo. Después de varias desventuras, todas iniciadas por su compañero, Tom termina en un hospital para “locos”.

Pero la música no es tan simple en absoluto. En su obra culminante en el período neoclásico, Stravinsky dominó sus golpes de percusión al más alto nivel: casi no puedes escucharlos, pero los sientes en el latido de tu corazón. Sus disonancias características ahora estaban ocultas detrás de arias melódicas de acompañamiento. Y puedes escucharlos como melódicos, pero en sus núcleos, las líneas vocales principales están rotas.

Y esa fue una pieza que Barbara Hannigan ofreció a sus cantantes para que la interpretaran. No puedo decir cómo fue la preparación, pero lo que pude ver en el escenario fueron cantantes jóvenes que se sentían cómodos y relajados como si nada especial estuviera sucediendo. Esa fue una sensación agradable que transmitieron a la audiencia. Y eran juguetones, así que jugaron.

Ciertamente no tendremos que dudar del talento de los jóvenes cantantes. Sophie Asplund como Anne Trulove era fresca y brillante. Gyula Rab como Tom Rakewell fue una elección perfecta para este papel. Douglas Williams como Nick Shadow era diabólico y humorísticamente persuasivo. Erik Rosenius era demasiado grande para solo el padre Trulove, por lo que también logró cantar Mother Goose. Marta Swiderska fue simplemente impresionante.

Pero eso no fue suficiente.

Una vez que llegamos al primer manifiesto de Tom (cantó de pie en una silla y disfrutó de su actuación), el problema quedó expuesto. No podía seguir micro cambios en su línea vocal. Cantó libremente, olvidando que su aria tenía la intención de dibujar la perspectiva de toda su vida, no simplemente manifestar las palabras escritas. Y esto, más o menos, pasó con el resto de cantantes.

La música ligera y justa de esta ópera requiere más preparación y trabajo que cualquiera de los pasajes ramose del período romántico. Es una microciencia musical. Y no importa lo buenas que fueran las voces, el trabajo para esta actuación no se hizo correctamente.

Me los imaginé decidiendo intentar hacerlo fácil y agradable tanto para los cantantes como para el público. E incluso creo que lo aceptaron de alguna manera. Pero esta actuación me mostró el problema con la interpretación de la declaración inicial de reducir un nivel de estrés. Menos estrés no significa menos trabajo. La sensación de comodidad no se debe alcanzar bajando la barra. No toleraré la mejor sensación detrás del peor desempeño.

Bajo el ala del director

Barbara Hannigan dio una lectura compleja y muy flexible de la partitura de muchas capas de Stravinsky. Su actuación estuvo hecha de pequeños detalles. Se las arregla sin esfuerzo para dirigir la orquesta y el coro y, por supuesto, cantar (junto con la orquesta). Pero sentí que su dirección era solo otro nivel, y en el mismo momento pensé que todavía no era una directora perfecta. Pero ella estaba comprendiendo. Y sus metas de dirección eran mucho más altas que las que se propuso a sus cantantes.

Y en ese momento comprendí que esta brillante idea de perder la perfección funciona mejor para Barbara Hannigan que para los jóvenes cantantes del proyecto Equilibrium. Cuando uno ha alcanzado la maestría como músico, tiene sentido reducir la presión, pero esto nunca cambiará su comprensión del resultado. Es posible que ahora no busque la perfección porque ya puede sentir la cantidad adecuada de belleza en su piel.

Pero, ¿funcionará para los artistas jóvenes, que al ser talentosos y brillantes, también aprenden a colaborar y a relajarse más que a entender cómo llevar actuaciones destacadas a su futura audiencia? ¿Sobrevivirán en la industria de la ópera, si esperan que otras personas también sigan un flujo bien equilibrado, que ahora va más allá de los grandes escenarios? ¿Este enfoque de “sentirse bien” antes de “cantar bien” funcionará para ellos o se convertirá en un comienzo del progreso de su rake?

Estas son las preguntas esenciales.